Китайський художник Ці Байши та стиль "гохуа"

Знаєте, картини яких художників найвище цінуються і найдорожче продаються на західних аукціонах? Після робіт П. Пікассо та Е. Уорхола, це шедеври китайського художника Ці Байши.

«Якщо мене запитають – у чому краса малюнку,

Я відповім - чим тонше, тим краще.

Звідки ці вірші, я сам не знаю».

Ці Байши

За різними даними Ці Байши народився 22 листопада або 1 січня 1863 року в повіті Сянтань, провінції Хунань в дуже бідній родині. Першим учителем хлопчика був його дід, який уже в три роки змусив його писати паличкою на землі своє ім'я, до шести років Ці вже добре писав і часом малював. Про свої перші спроби живопису сам художник згадує так: «Прийшовши зі школи, я хапав кисть, тушечницю і приймався малювати... Бог грому, якого я намалював, був більше схожий на смішного папугу, а я все малював і малював, але не міг досягти схожості. Я малював квіти, трави, птахів, жаб, бабок – одним словом, усе, що траплялося на очі. Це все речі, які я дуже люблю…»

У 15 років Ці пішов працювати до столяра. З ним він ходив на заробітки по селах, а вечорами запалював масло і вчився малювати до глибокої ночі. Одного разу він побачив, як працюють різьбярі по дереву і був такий захоплений, що вступив до майстра різьблення Чжоу Чжимею. У Ці виходило вирізати не лише окремі фігурки, а й цілі картини. Так протягом п'яти наступних років він відточував свою майстерність і в цій галузі. У 1889 відбулася зустріч Ці Байши з Ху Цін'юанем, відомим китайським художником. Той був у захваті від мальовничих робіт художника і наполіг на тому, щоб Ці пішов до нього вчитися.

У Ху він вивчав не лише живопис, а й літературу, особливо поезію, і почав писати вірші. Поетичні написи Ці Байши на його картинах доповнюють мальовниче зображення, складають із ним єдиний художній образ. У той період Ці опановує всі образотворчі можливості живопису з тушшю. На початку дев'яностих Ці Байши опановує традиційне ремесло оформлення свитка і вирізання друку (хто займався китайським живописом або каліграфією, напевно знає, що на своєму малюнку автор ставить свій іменну печатку, часто зроблену власноруч).

Наприкінці століття Ці Байши вперше залишає рідні місця та вирушає на запрошення до відомого художника Ван Сянці. З цього часу він за своїм висловом «відклав долото і взяв до рук замість нього пензель для живопису». У перше десятиліття нового століття художник пройшов майже весь Китай, і результатом цих подорожей було близько п'ятдесяти пейзажів, виконаних тушшю в національному стилі. Ці тонко і жваво передає своє сприйняття природи, відчуття від спілкування з нею. Але в цих пейзажах ще немає тієї точності та впевненості ліній, які з'являться пізніше.

До кінця десятих років у живописі Ці відбуваються зміни. У цей період у його пейзажах поєднується широкий, вільний розмив із тонкою ретельністю штриха. У пейзажних композиціях 30-х видно, що художник відходе від натуралізму. «Зображуючи життя, я не прагну явної подібності... Майстерність знаходиться на межі подібності і відмінності; повна подібність – вульгарно, відмінність – обман».

У 1946 р. із закінченням війни він викладає в Академії витончених мистецтв в Пекіні, а через рік стає її головою. Як художник Ці Байши виявився надзвичайно плідним. За багато років він лише 2 рази залишав пензель – під час тяжкої хвороби та через жалобу після смерті матері. За рік він писав кілька сотень картин.

Показані на виставці далекосхідного мистецтва (спочатку у Відні, потім у Берліні та Будапешті) твори художника викликали пильний інтерес європейських любителів живопису. Вони захоплювалися сміливістю колориту малюнків та виразністю їхніх ліній, зроблених пензлем.

Ці Байши був великим знавцем маловідомої техніки "гохуа", але намагався не лише продовжити традиції своїх попередників, а й зробити твори нової "гохуа".

Цим терміном з початку XX століття стали називати національний китайський живопис, у якому національні традиції пов'язані з особливими художніми прийомами, що склалися ще у VIII-XIII століттях. Картини "гохуа" мають форму сувоїв у вигляді подовженого прямокутника, а по композиції вони поділяються на горизонтальні та вертикальні. На відміну від європейських творів живопису китайці не вивішують свої картини на стінах, зазвичай вони зберігають їх у коробках і дістають звідти лише у свята. Внизу у таких свитків є кругла палиця, кінці якої зазвичай прикрашені слоновою кісткою або дорогими породами дерев.

Старі майстри дуже любили малювати на таких сувоях, довжина яких іноді сягала кількох метрів. Зазвичай на вузькій смузі згортання зображувався гарний поетичний пейзаж: квіти, риби або птахи, а також персонажі старовинних легенд та романів. Для картин "гохуа" використовували особливий папір або особливий шовк, а пишуться такі твори чорною тушшю або тушшю у поєднанні з різнокольоровими фарбами (мінеральними або рослинного походження). Зображення "витягується" по довжині сувою, позбавлений фону предмет як би "виймається" зі свого оточення і вводиться в біле поле картини, що супроводжується каліграфічними написами (віршами самого художника), що розташовувалися у верхньому кутку, і червоними печатками. Таким чином, класичні "гохуа" являлись єдністю трьох елементів - малюнку, віршів та каліграфії.

У творах "гохуа", як правило, відсутня світлотінь, і предмети як би однаково висвітлені з усіх боків. Китайські художники не користувалися і прийомами лінійної перспективи передачі простору і моделювання обсягу предметів. За допомогою найтонших градацій туші вони створювали відчуття повітря, що огортає дальні предмети, туману, враження яскравих сонячних відблисків, що грають на листі. Лінія - то нервова і тонка, то густа і розливається в пляму - була основою всього китайського живопису. Крім того, предмети, розташовані на передньому та задньому планах картини, зображуються в однакову величину, без жодної перспективи. І тоді складається враження, що глядач дивиться на картину згори донизу.

Для "гохуа" існує 16 різних пензлів, які по-різному застосовуються – залежно від того, яким способом пишеться картина. Видів написання "гохуа" теж існує кілька: способом "суньфа" пишеться рельєф; способом "дяньфа" - листя на деревах, лишайники та мох; способом "жаньфа" - небо, зірки та великі поверхні; способом "гоуфа" - контурні малюнки. Залежно від обраного методу художник і кисть тримає по-різному - похило або вертикально, з натиском або без натиску.

Китайські художники відрізняються від європейських не лише за технікою роботи, а й за манерою сприймати видиме. Для європейця площина картини – це вікно, через яке він бачить шматочок світу та пише на полотні те, що бачить через це вікно. Для китайців площина картини - той самий папір, де він пише ієрогліфи. Тільки на картині явища світу він передає не ієрогліфами, хоча в обох випадках користується одними й тими самими засобами – пензлем та тушшю. Тому для китайського художника достатньо зобразити щось одне, а всю решту площини картини залишити чистою, або максимум - намітити задній план.

Вище вже говорилося, що для створення творів "гохуа" художник повинен був володіти технікою малюнка, вміти писати вірші і мати гарну каліграфію. А Ці Байши, син бідного селянина, не отримав навіть початкової освіти: у дитинстві він був пастухом, в юності - столяром, і тільки завдяки своєму таланту і величезній праці він зумів знайти свій шлях у мистецтві. Ці Байши займався столярництвом 14 років, його вироби допомагали жити сім'ї, що все збільшувалась. Але вільний час він віддавав живопису. Коли йому потрапив у руки знаменитий підручник "Альбом Саду гірчичного зерна", він ночами копіював малюнки з нього. А сусіди та знайомі випрошували у молодого художника ці малюнки, щоб прикрасити ними свої житла. Так потроху Ці Байши став відомий в окрузі не тільки як столяр та різьбяр по дереву, а й як художник.

Але він розумів, що справжній художник повинен мати глибокі знання, знати історію своєї країни і тонко відчувати її культуру. Майбутній майстер звертається до вивчення поезії – і сам стає видатним поетом, вивчає стародавні мистецтва – і стає уславленим різьбяром печаток, звертається до вивчення каліграфії – і стає першокласним каліграфом.

Вже перший період творчості Ці Байши відзначений творами, виконаними з великою ретельністю. Він скрупульозно виписував все до найдрібніших деталей, не вміючи поки що відокремити головне від другорядного. Це був ще не той Ці Байши, якого ми зараз знаємо.

Поступово, вивчаючи твори інших художників, він відходить від зайвої деталізації, удар його пензля стає впевненим та сильним, лінії малюнка виразнішими. Посилюючи або послаблюючи удар пензля, Ці Байши з разючим умінням починає передавати специфічні особливості та фактуру зображуваного предмета. З часом він стає одним із найбільших майстрів національної школи живопису, і в його творчості починають проявлятися характерні риси "гохуа" - ясність, простота та барвистість. У Китаї про нього говорять: "Він у малому бачив велике, багато народжував з нічого". Тому для китайців стільки хвилюючих почуттів таїться в малюнку, на якому зображено жовте листя і цикада, що сидить на ньому. У такому малюнку передана чудова осіння пора з її золотом і багрянцем у листі - своєрідна краса природи, що в'яне.

Зовсім інші почуття породжує гілка квітучої гліцинії. Фіолетово-рожева, з жовтими і блакитними плямами, наче пахуча кисть, вона ніби увібрала в себе теплі промені весняного сонця.

Спостережливість дозволяє Ці Байши відтворювати момент розкриття пелюсток півонії або бутончика берізки, політ бабки, гранат, що лопається на вітрі, і некваплива течія річки, в якій повільно пливуть риби, трохи ворушачи плавниками, і перебирають тонкими лапками креветки.

До аналітичних спостережень, які у живописі служили йому для сміливих узагальнень, художник ставився дуже серйозно. Одного разу, коли в нього самого були вже учні, він запитав одного з них, скільки ніг мають різного роду креветки та комахи, з скількох сегментів складається їхнє черевце і т.д. Учень знав про це не так багато, і майстер насварив його, пояснивши, що все це треба знати точно. Не для того, щоб відтворювати на картині всі 12 ніжок, а щоб (знаючи їх число) вирішити, скільки ніжок можна не зображати і разом з тим, однак, передати враження живої комахи або креветки.

Ці Байши лінійним та кольоровим ритмічним строєм своїх робіт змусив "заговорити" навіть неживі речі - граблі та вудки, кошики та чайники, світильники, палички для їжі та навіть бухгалтерська рахівниця. Але загальновизнано, що художник досяг вершини своєї майстерності у мистецтві в зображенні саме креветок, яких він малював багато та часто. Проте сам Ці Байши дуже засмучувався, що деякі бачать у ньому лише майстра зображення креветок. На одному з його сувоїв є навіть такий напис: "Мені вже 78 років, але я чую часто, як кажуть, що я вмію малювати тільки креветок. Як це несправедливо!"

І тим не менше Ці Байши дуже любив писати креветок - не екзотичних морських, а звичайних річкових, яких зазвичай називають "креветками з довгими лапками". Вони бувають двох видів – білі та зелені. У ранній період своєї творчості художник частіше малював зелених креветок, пізніше любив зображати білих, тому що їх бляклий колір потребує більш витонченої роботи пензлем. Особливою витонченістю відрізняється лист "Маленька зелена креветка", створений 80-річним майстром.

Приблизно до 60 років Ці Байши обмежував себе лише вивченням зразків класичного мистецтва у зображенні креветок, проте зовсім не прагнув до сліпого копіювання. На одному з сувоїв Чжу Сюе-ге, визнаного майстра в мистецтві малювати креветок, він написав: "Чжу Сюе-ге зображує креветок, але в них немає духу давнини та простоти".

Лише у 62 роки Ці Байши звернувся до вивчення та зображення свого улюбленого "героя" з натури. Щодня він уважно спостерігав за життям цих істот у річках, озерах і ставках пекінських парків, намагаючись вловити своєрідність їх рухів, зміну кольору у різній воді, взаємозв'язок одне з одним. Коли його запитали, як йому вдається з такою точністю передати всі деталі будови креветок, він відповів: "Я малюю їх щодня. Не можна пропустити жодного дня".

Як він їх малював? Спочатку наноситься штрих світлою тушшю кінчиком кисті, потім поперечний штрих центральною частиною прямостоячої кисті, потім робиться сильний поворот кисті. Так, трьома штрихами Ці Байши малює тулуб креветки. Потім похилим пензлем робляться два штрихи з боків тулуба, а для зображення вусиків застосовуються кілька видів прямо поставленої кисті. Очі Ці Байши пише короткими лініями, а при завершенні малюнка майстер широким рухом похилої кисті малює хвіст. Красу і досконалість творів Ці Байши у зображенні креветок китайський глядач бачить саме у цих останніх горизонтальних штрихах, оскільки в каліграфічному відношенні вони вважаються найважчими.

Загальновизнаний майстер у цій галузі живопису, сам Ці Байши відчував естетичну невичерпність даного явища та обмежені можливості художника осягнути її. Вже в похилому віці він говорив: "Я малюю креветок вже кілька десятків років і тільки зараз починаю трохи пізнавати їх характер".

На святкуванні 93-річчя художника відомий китайський письменник Лао Ше сказав: "На картинах Ці Байши рухи креветок у воді передані так, що здається, ніби вони живі".

Завдяки Ці Байши китайський і світовий живопис зробив ще один крок уперед: він зумів створити свою власну індивідуальну художню мову, надзвичайно яскраву і виразну. Він залишив глибоку віху в історії гохуа.